(2007)

Regia: Ridley Scott
Sceneggiatura: Steve Zaillian
Cast : Denzel Washington , Russel Crowe

Durata: 157 min.

ATTENZIONE, La seguente recensione contiene SPOILER sul film. Se non volete rovinarvi la sorpresa: VIA DI QUA!
In tale recensione, però, la storia non verrà raccontata per intero, per una precisa decisione dell’autore, il quale ritiene che fondamentale sia l’intreccio degli eventi, nell’opera in questione.

“ There are two sides of the american dream”

“I got Harlem. I took care of Harlem, so Harlem’s gonna take care of me “ – Frank Lucas

“20 Percent…. 20 Percent…” – Frank Lucas

Anni 70 (e aggiungerei, che anni 70!), Harlem, Vietnam Droga, Neri, Investigatori Bianchi. Ecco, forse come ingredienti per un film “nuovo”, sembrano non esserci. Ma ogni chef che si rispetti, sa bene che ciò che conta, non son gli ingredienti, ma il modo con cui vengono utilizzati. Ma procediamo con ordine…

Ridley Scott (Gladiator, Hannibal, Black Hawk Down, A Good Year), un vero grande del cinema hollywoodiano, è uno che non si lascia mai scappare un’idea dalla testa. Consacratosi al pubblico internazionale con il suo Gladiatore, ha voluto donare al pubblico internazionale un nuovo capolavoro. Certo, magari non avrà la portata che il suo Gladiatore ha saputo guadagnarsi a colpi di gladio, ma di certo il suo Frank Lucas lascerà il segno sul cinema contemporaneo. La selezione del casting, è come sempre perfetta. Denzel Washington (Mo’ Better Blues, Glory, Malcolm X, Inside Man, Awtone Fisher) e Russel Crowe (L.A. Confidential, A Good Year, The Insider, Gladiator, Cinderella Man, Master and Commander) sono i due personaggi principali di questa storia vera, raccontata in modo magistrale.

Come dicevamo sopra, siamo negli anni ’70. Harlem è ormai un covo di spacciatori, papponi e magnaccia di ogni tipo, tutti “nuovo stampo”. Bumpy, invece, è uno vecchio stile, uno che sa riconoscere la rovina degli USA nell’aria, quando la vede. Uno che al ringraziamento, usa i suoi soldi per comprare e regalare tacchini ancora freschi ai suoi “neri” dell’Harlem. Bumpy, insomma, è un kingpin atipico. Così atipico, che non muore ammazzato. Muore in maniera naturale, con un unico spettatore “attivo”, il suo autista-aiutante-discepolo, Frank Lucas. Frank, però, non è uno qualunque, anzi, dimostra ad Harlem che sebbene Bumpy sia morto, i suoi debiti sono vivi e vegeti. In quattro e quattr’otto, Frank ricostruisce una piccola parte dell’impero del suo mentore. Ma mr. Lucas conosce troppo bene il significato della parola “Ambizione”. Basta poco, per fare il “grande salto”, basta davvero poco. Così poco che decide di contattare un suo ex parente, stanziato in Vietnam, dove la guerra è quasi in stasi. Così, in poco tempo, riesce a “inventarsi” un’importazione in grande stile, negli U.S.A., dove aiutato dai suoi parenti di campagna, mette a punto un sistema di distribuzione capillare, sicuro e quasi del tutto impersonale. In due parole: “Blue Magic”.

Dall’altro lato della strada, c’è Richie Roberts, un poliziotto famoso nella città che non dorme mai, per la sua “idiozia”. Non troppo tempo prima, quest’uomo ha trovato in un auto, mentre era in servizio, un milione di dollari in contanti di piccolo taglio, non di serie. E ciò che ne ha fatto, a detta dell’intero NYPD, è l’utilizzo più idiota possibile: l’ha consegnato al suo distretto, dalla prima all’ultima banconota, Washington di piccolo taglio inclusi. Così, Richie, alle prese con il suo esame di stato per diventare avvocato, viene contattato dai pezzi grossi Federali. In poco tempo, gli chiedono di scegliere gli uomini adatti per mettere in piedi una piccola “sovrastruttura” poliziesca, un nucleo ristretto di investigatori a tempo pieno, intenzionati a sgominare il mercato della droga, che sta piano piano divorando dall’interno la grande mela. Così, a selezione effettuata si mette sulle traccie dei grandi pusher di NY.
Le strade dei due si scontreranno all’incontro di Boxe dell’anno, tra Alì e Frazier. Richie noterà un uomo in pelliccia, in prima fila, che non ha mai visto prima. Da quel punto in poi, la strada è tutta in discesa. Così in discesa, che presto Lucas si ritroverà seduto di fronte a lui, dall’altro lato di un tavolo, sotto interrogatorio. La prima condanna in appello del signor Lucas, fu di 70 anni di carcere. In seguito, al primo caso di difesa dell’avvocato Roberts, la pena fu diminuita fino a 15 anni. Tale enorme sconto di pena va attribuito al grande contributo dato da Frank Lucas per gli arresti effettuati dalla polizia, che nel giro di due anni ebbe prove a sufficienza per arrestare tre quarti del dipartimento Narcotici della NYPD.

Dal punto di vista cinematografico, beh, sembra quasi che NY sia stata riportata indietro di quarant’anni, durante le riprese. Le crackhouse, Harlem, la polizia, la corruzione, l’aria “grigia”, dei primi colori dello smog assuefatto e assuefacente. Insomma, tutto è al suo posto, nell’ambientazione. La colonna sonora, come sempre si addice a Scott, è quanto di più azzeccato e adatto possibile. Insomma, la pellicola trasuda funk e soul in ogni fotogramma, e le casse sanno ben accompagnare la sensazione. Le inquadrature restano, come per ogni opera di questo calibro, indefinibili. Perfette, è dir poco. Una parentesi, insomma, quella dell’estetica del titolo in questione, che si apre e si chiude con un voto numerico: 11/10. Permea l’opera un vago filtro seppia, che altro non fa che risaltare le grandiose capacità degli attori in questione. Dimenticatevi i piani americani e i piani sequenza de Il Gladiatore, dimenticatevi quelle riprese lunghe, qui si tratta di botta e risposta, di volti, di dettagli, di espressività delle immagini. Qui, si tratta di Frank Lucas.
Discorso singolo, invece va fatto per gli attori. Denzel Washington, rughe d’espressione incluse, è il vero punto di forza del film. Professionale, di “basso profilo”, silenzioso, scherzoso, guardingo, acuto osservatore, insomma, in poche parole, serio e distinto. Un paragone poco azzardato, a mio parere, potrebbe essere quello che sto per osare: è insomma un nuovo Marlon Brando nei panni del Padrino.
Russel Crowe, beh, se lo avete ancora in mente con l’armatura e il gladio, cancellatelo e riscrivete tutto. É un poliziotto incazzato nero, disgustato dai suoi colleghi, ligio al dovere, dal nervoso facile, calcolatore e soprattutto di poca azione. Un genio.

Insomma, il film si muove fin troppo bene, senza uscire troppo fuori dalle linee guida dettate dalla realtà, risultando, insomma, secondo gran parte della critica un “Black Scarface”. Ciò che invece io, personalmente, ritengo, è che sia, con tutto il dovuto rispetto al capolavoro di Brian De Palma, l’esatto opposto. Insomma, Tony Montana era “Fucking Tony M.“, era “The World Is Yours“, era “Yayo“, tagliata quanto più possibile, Tony Montana era “Gangsta“. Tony M. era l’uomo della villa, di Miami, della tigre in giardino.
Frank Lucas, beh, lui è “Either you’re somebody, or you ain’t nobody. “, è “This is my home. My country. Frank Lucas don’t run from nobody. This is America.“. Frank Lucas è l’uomo nero al di sopra dell’”Italian Mafia”, Frank Lucas è l’uomo ” Nobody owns me, though.“. Frank Lucas, è l’uomo della “Dope” pura al 100 %, la Blue Magic. Frank, è l’uomo del basso profilo, l’uomo senza anelli, senza oro, l’uomo senza facciata. Frank Lucas, è l’uomo nero, nero tra i neri.
Ma Frankie e Antonio si somigliano più di quanto facciano credere… Sono due da “guerra in prima persona”, sono due dalla minaccia facile, sono due vendicativi, sono due spacciatori di lusso, sono due che hanno tutto, stretto tra le mani. La differenza, tra Tony e Frank, è che Tony è morto, Frank è vivo, anche se su una sedia a rotelle, ed è anche un uomo relativamente libero.

In poche parole, un film che merita la visione, a patto solo di avere stomaco forte, date le inquadrature spesso indugianti su dettagli che i più farebbero a meno di voler conoscere. Una storia, tristemente vera, narrata in modo magistrale da un regista che sa bene quale sia il suo ruolo in tutto ciò. Ridley, in questo film, non dirige il film, ma gli spettatori.

In conclusione, un gran film. Merita davvero la visione, che siate fan dei Gangster Movies o meno.

+ + +

• Due attori d’eccezione, tra le mani di un signor regista
• Un capolavoro del genere, un grandissimo film in genere
• Ineccepibile, sotto ogni punto di vista

- – -

• Scene forti, non per tutti
• Non è un genere per il palato di tutti
• Forse la droga non è un argomento adatto al potenziale pubblico di tale film

Voto Finale:91/100

Links: Trailer, IMDB, Wikipedia

Tutto il materiale quipresente è stato trovato su siti internet di libero accesso, e pertanto utilizzato in libero accesso. Nel caso si arrecassero danni a chiunque o a qualunque associazione, previo avvertimento, si procederà alla repentina eliminazione dei contenuti problematici. Va inoltre ricordato che il blog “wemovies” è un progetto NON a scopo di lucro, di libero utilizzo e di libera scrittura.

“Il Bacio che aspettavo”

(2007)

Regia: Jon Kasdan
Sceneggiatura: Jon Kasdan
Cast : Adam Brody , Kirsten Stewart , Meg Ryan

Durata: 94 min.

ATTENZIONE, La seguente recensione contiene SPOILER sul film. Se non volete rovinarvi la sorpresa: VIA DI QUA!
In tale recensione, però, la storia non verrà raccontata per intero, per una precisa decisione dell’autore, il quale ritiene che fondamentale sia l’intreccio degli eventi, nell’opera in questione.

“ I am mysterious!” – Carter Webb

“Listen, I don’t know what happens next. I’m just going to keep loving you and I’m going to keep hoping you let me into your life. I will make mistakes, of course, but I’ll always be there for you. “ – Sarah Hardwicke

“Senti, dobbiamo essere onesti con noi stessi, in fondo l’abbiamo sempre saputo che non avrebbe funzionato“. Chissà quanti di noi avranno sentito dirsi queste frasi da uno dei propri ex partner. Chissà quanti avranno provato “l’ebbrezza” di essere lasciati, ma “restando amici“. E chissà quanti ci hanno creduto davvero… Carter Webb (Adam Brody: The O.C., MTV’s Undressed) sembra averci creduto, il giorno in cui la famosa attrice, Sofia Buñuel (Elena Anaya: Sofia y el sexo, Fragile) gliel’ha pronunciato, in uno squallido bar, mentre un trio di anonime teenager le ronza intorno per avere un suo autografo. E’ su queste basi che comincia la storia di Carter, uno sceneggiatore soft-porn con un sogno nel cassetto, qualche problema con una depressione latente, il vizio del fumo e un’innata qualità, quella di avere sempre la risposta pronta. Tornato a casa, spalle ciondolanti al seguito, scopre da sua madre che sua nonna, Phillis (Olympia Dukakis: Numb3rs, Charlie’s War), si ritiene in fin di vita, così il giovane decide di dare una svolta alla sua vita, e di andare a vivere per un periodo di tempo indeterminato, da sua nonna, così da cercare di convincerla della sua piena salute. Giunto in Michigan, fa conoscenza di Lucy (Kirsten Stewart: The Messenger, Jumper) e Sarah (Meg Ryan: Top Gun, The Doors, French Kiss) Hardwicke, rispettivamente una figlia ed una madre sue neo-vicine.

Nasce così, spontanea ed istintiva, un profondo legame d’amicizia tra Sarah e Carter, che spesso andranno a passeggiare insieme, raccontando ognuno la propria storia, i propri problemi. Così, si verrà a conoscenza degli intimi segreti di Carter, del suo rapporto con la sua amata ex, Sofia, della difficilissima situazione familiare di Sarah, insomma, dei più intimi segreti di entrambi. Così, la donna convincerà la sua figlia adolescente ad uscire in compagnia di Carter, per cercare di farlo stare meglio, di farlo distrarre.
Già dalle prime battute, lo spettatore verrà a conoscenza del vero dramma di Sarah, ovvero la recente scoperta fatta dai suoi medici, di un tumore al seno. Intorno a tale malattia, ruoterà tutta la storia, osservata dal punto di vista dell’intera famiglia Hardwicke.
Insomma, ci troviamo di fronte ad un’opera scritta col preciso intento di interessare una fetta di audience più larga possibile, presentata qui da noi in Italia, come una Teenager Love Story. Come al solito, la definizione è quanto mai inadatta.
Dal punto di vista pratico, la pellicola scorre veloce, senza punti morti, con trovate interessanti e mostrando tutto ciò che c’è da mostrare, nulla di meno, e niente di superfluo. Per quanto riguarda invece l’ambiente creato, complice la mancanza di scene inutili, potrebbe dare un sapore di abbozzato e solo accennato, quasi fatto “di fretta e furia”, sebbene la volontà di dettagliare c’è, ma sullo sfondo. O, per meglio dire, i dettagli sono presenti sulla scena contemporaneamente ai momenti di trama raccontati, tanto da poter erroneamente sembrare casuali, involontari e forse anche inutili. Insomma, un lungometraggio che cerca di raccontare, di approfondire, di sviscerare quanti più fatti e persone possibili. Persone, perché quelli raccontati non sono personaggi qualunque, nel difetto e nell’eccesso consentiti a tale definizione, ma sono persone “in carne ed ossa”, con tutte le loro fissazioni, i loro sentimenti, i loro pregi e i loro difetti. Insomma, tutti sono qualcuno, ma nessuno è più degli altri, nessuno è senza macchia e senza paura, e tutti dimostrano che errare resta prerogativa degli umani. Nessun John Smith, insomma.

Dal punto di vista tecnico, va sottolineata la palesissima volontà registica di mettere “le cose in chiaro” con lo spettatore, con scene pulite, chiare e dai colori vividi o spenti, in dipendenza dalla situazione (psicologica o spaziale) trattata. Le riprese, sono adatte ed anonime quanto basta, risultando normali per gli habituè del genere e non inventando assolutamente niente di nuovo ma sottolineando a dovere le capacità drammatiche degli attori di tutto rispetto.
Per quanto riguarda il commento sonoro, non avendo avuto modo di saggiare la qualità dell’audio in lingua originale, si è nelle condizioni di poter semplicemente portare all’attenzione due cose: prima di tutto, il lavoro di traduzione e quello di doppiaggio sono stati portati avanti davvero eccezionalmente; inoltre, la selezione musicale della colonna sonora, sebbene non apporti nessun tipo di novità, risulta adatta e capace di sottolineare i vari momenti drammatici.
In conclusione, ci troviamo di fronte ad un film drammatico di tutto rispetto, senza le pretese tipiche del genere, ma senza innovazioni di alcun tipo. Per gli amanti del genere, un film da vedere di sicuro, sia per la qualità della storia, sia per l’interpretazione degli attori (Adam Brody su tutti, riesce a cancellare ogni forma di pregiudizio nei confronti degli attori da telefilm); chi invece non vive di pane e lacrime cinematografiche, può comunque trovare interessante l’opera, per le sue trovate accattivanti, per la tipologia di storia, ma soprattutto per poter guardare una storia d’amore senza esagerazioni, che nasce e si sviluppa come potrebbe accadere a chiunque. Sia ben chiaro, non ci si trova davanti ad un capolavoro, ma di certo di fronte ad un film che sa avere classe, sebbene non ne cerchi troppa. Niente di eclatante, ma niente di seccante.

+ + +

• Il cast ha svolto il suo lavoro in modo impeccabile
• E’ una storia comune, che sa trovare la sua drammaticità proprio in questo
• Realizzazione tecnica al di sopra della media, per il genere (Solo due piccolissimi errori di continuità)

- – -

• Il film non osa, assolutamente
• Un film “ordinario”
• Cerca, forse, di sfruttare troppo i nomi del cast per mascherare un film non totalmente ispirato

Citazioni dal film:

“E’ solo una fase, la supererai”
“Carter… mi vuoi sposare?” “Certo che si“

Voto Finale:75/100

Links: Trailer, IMDB, Wikipedia

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“L’Altra metà dell’amore”

(2001)

Regia: Léa Pool
Sceneggiatura: Susan Swan
Cast : Piper Perabo , Jessica Paré , Mischa Barton

Durata: 104 min.

ATTENZIONE, La seguente recensione contiene SPOILER sul film. Se non volete rovinarvi la sorpresa: VIA DI QUA!

“ I’m not a lesbo! I’m Paulie, and I’m in love with Tory!”

“Paulie is my friend, so I guess it doesn’t matter what everyone else says! “

Lost and Delirious è un prodotto che va maneggiato con cura, va guardato senza pregiudizi, ma soprattutto va osservato cercando di evitare ogni tipo di introspezione che potrebbe causare. Senza seguire tali consigli, lo si potrebbe guardare con pregiudizi troppo forti, che farebbero propendere l’ago della bilancia da un lato o dall’altro. Prima di tutto, il pregiudizio sull’omosessualità va eliminato, un po’ come accade con tutti i film di tale genere. Il secondo pregiudizio da bruciare è appunto il ritenerlo un film di genere. Lost and Delirious NON è un lezmovie regolare, se per lezmovie vogliamo intendere un film di “Orgoglio Lesbo”. La storia prende luogo in un realistico College Canadese, la Bishop’s College High School di Lexington, Québec, Canada, nei primi anni del terzo millennio. In breve, narra del tormentato amore tra Paulie e Tory, visto dal punto di vista di Mary “Mouse” B. . Il film gioca bene le sue carte, cercando di scendere nel profondo della psiche della narratrice interna, la quindicenne Mary B. (una convincentissima Mischa Barton, Il sesto senso, Notting Hill, The O.C.[T.V]), nuova iscritta dell’istituto, che si ritrova a dividere la stanza con due ragazze, Victoria “Tory” Moller (Jessica Parè) e Pauline “Paulie” Oster (Piper Perabo, “Coyote Ugly”). Le tre compagne di stanza sono tre personaggi totalmente diversi: Tory è una ragazza tranquilla, ordinaria, un po’ carente in matematica, occasionale fumatrice; Paulie, dal suo canto, è una ragazza sfrenata, fumatrice appassionata, impetuosa e sfrontata; Mary “Mouse” invece, è una piccola ragazzina timida, che poco conosce del mondo. Tutte sono accomunate da situazioni familiari non vissute in modo sereno, ed è proprio questa caratteristica che le unisce per davvero, come amiche. Le giornate, alla Bishop, passano tra una lezione di letteratura, una lezione di matematica, qualche tiro di sigaretta, e un bel po’ di educazione fisica. Il ritratto fatto dall’autrice della sceneggiatura (Susan Swan, unica opera) è convincente, e risulta gradevole da seguire, sebbene forse un po’ stereotipato. Ciò che invece appare evidente allo spettatore, sin dalle prime battute, è il fortissimo sentimento che lega Paulie e Tory. E’ chiaro che l’amicizia delle due è da tempo maturata in un sentimento ben più forte, e la cosa appare quanto di più naturale possibile, anche ai meno abituati alla presenza scenica di un amore omosessuale. Tale coppia, però, è di breve vita, sullo schermo, in quanto presto si dividerà a causa dei pettegolezzi che nascono all’interno della scuola. Il resto della storia, va osservato, non spiegato a parole, in quanto potrebbe sembrare quantomeno scontato e poco interessante.

Ciò che colpisce, del film, è la preponderanza di sentimento, è la potenza di queste sensazioni vissute da Paulie, che la spingono al tragico finale. Ciò che invece resta incomprensibile, è il peso di tante cose che restano solo dettagli quasi fini a se stessi, come il ruolo del giardiniere, o anche, e questo lo ammetto con molto dispiacere, l’importanza vera dell’amore per la madre di Mary B. Queste due cose, sembrano lanciate là come pretesto, o anche come riempitivo, e rendono quello che potrebbe essere un grande film drammatico, un bel film drammatico, ma poco, pochissimo al di sopra della media. La regia svolge come si deve il suo lavoro, esclusion fatta per la scena “hot”, (che fa ulteriormente cadere il film nella categoria di cui sopra) che si sarebbe potuta gestire meglio, con meno indugi sui particolari, e più “poesia”. Insomma, dal punto di vista tecnico estetico, il film bene o male non fa una piega, con inquadrature adatte, giochi di luce carini e scene non troppo lunghe e prolisse. Per quel che riguarda la sceneggiatura, come già detto, non si può dire lo stesso. Ci sono delle idee che sembrano buttate là, mentre ce ne sono altre azzeccatissime, con l’idea del falco, vera e propria metafora di vita. Ciò non toglie che il vero e proprio fulcro della storia, l’amore di Paulie, resta in primo piano fino all’ultimo fotogramma del lungometraggio. Nota leggermente dolente, invece, è quella appunto della colonna sonora. Ci si sarebbe aspettati, e questo è un punto a favore, una colonna sonora Indie o College Rock, ma ciò che ci si trova ad ascoltare è il tipico repertorio di musica da Teenager movie, con pezzi che non sanno esaltare i grandi momenti e i grandi personaggi che si trova ad avere la storia. Infine, e qui c’è il vero dramma, la traduzione è stata davvero PESSIMA. Basti pensare alla scena in cui Paulie, verso l’inizio, decide di “ribattezzare” Mary, e da Mary B. la chiama Mary Brave, la coraggiosa. In italiano, viva la tristezza traduttoria, la chiama Mary Brava. Basti questo per far comprendere il livello dell’adattamento. Una solita occasione sprecata, coronata inoltre dalla scelta delle doppiatrici, troppo adulte per certi personaggi e troppo giovani per altri. Di contro, invece, la versione originale ha un audio particolarmente raffinato, con suono ambientale assente durante le frequenti scene di sussurro.

Insomma, un film con alti e bassi, con punti di forza (tanti) e punti di debolezza (non troppi), che si fa godere, ma che spesso fa nascere la sensazione di “atteso”, sensazione che dovrebbe essere bandita da ogni film inneggiante all’amore, che per definizione è inatteso e inaspettato.

Insomma, un film piacevole, che sa interessare, sa guidare in un mondo di prima adolescenza, ma che per determinate scelte, cade nel “già visto” e soprattutto nella categoria di Lezmovie “ordinario”. Insomma, niente di nuovo sotto il sole, sotto troppi punti di vista, per definirlo un capolavoro. Ma, va sottolineato, sotto un certo punto di vista è un’opera unica. Un vero e proprio inno all’amore, un canto di amore folle, “Delirious” come nel titolo, ma tristemente “Lost”.

Un film di non nominata dedica, alle persone convinte di aver perso l’amore, che contiene un tacito monito per chi crede che tutto sia perduto, dopo tale perdita, e che sa ritrarre, negli ultimi fotogrammi, il dramma di chi resta. Forti sentimenti, peccato solo per la realizzazione, troppo ordinaria, troppo poco “osante”, troppo poco in linea con il carattere di Paulie, il personaggio principale della storia. Un film non per tutti, ma solo per gli appassionati d’amore, di storie d’amore, e di sentimenti che vanno al di là di ogni cosa.

+ + + :

• Un film d’amore con la A maiuscola

• Realizzazione tecnica inusuale per il genere

• Cast adatto e calato nella parte

- – - :

• La locandina è assolutamente indecente

• La traduzione è tra le più tristi degli ultimi anni

• Scade nell’ordinario del suo genere

• Non per tutti

• Alcune trovate hanno il sapore della casualità

Voto finale: 78/100

Link: Trailer, IMDB, Wikipedia.

Tutto il materiale quipresente è stato trovato su siti internet di libero accesso, e pertanto utilizzato in libero accesso. Nel caso si arrecassero danni a chiunque o a qualunque associazione, previo avvertimento, si procederà alla repentina eliminazione dei contenuti problematici. Va inoltre ricordato che il blog “wemovies” è un progetto NON a scopo di lucro, di libero utilizzo e di libera scrittura.